“Desde la otra Orilla:
Migraciones, un Mapa Corporal”
Fugaz Gallery, Monumental. Callao, Lima, Peru.
International juried exhibition,
Curators: Ricardo Villarroel Corvalán, Marco Durán, and Juan Peralta.
The inspiration of these prints was emigration and its discontents. The large-format woodcuts have allegories of transculturation, displacement, and nostalgia. I reflected on several author's thoughts: Walter Mignolo, Eduardo Galeano, Victor Turner, Edouard Glissant, Baudrillard, Ai Weiwei: Human Flow, Donna Haraway, Roland Barthes, and Giorgio Agambem
Carlos Llerena Aguirre
Artist Statement
The essence of my visual work is activism and protest. The message contains metaphors, allegories, postmodernism, colonialism, faith, transfigurations, popular culture, syncretism, and the vernacular.
My engraving technique is a form of metamorphosis. After drawing, I redraw the image using pencil and ink. I carve the drawing into the wood with chisels, destroying the lines of the original drawing. The woodcut is a result, a resurrection of the original image.
As a shamanic experience, my spirit joins the spirit of a tree, paper made from wood pulp/cotton, and ink made from charcoal soot. The woodcut contains the three spirits inside. It is the same phenomenon as the three congas, which the musician calls with his three spirits to the Orishas of heaven: the carved wooden trunk, the goat leather, and the spirit of the performer.
Declaración del artista
La esencia de mi trabajo visual es activismo y protesta. El mensaje contiene metáforas, alegorías, posmodernismo, colonialismo, fe, transfiguraciones, cultura popular, sincretismo y lo vernáculo.
Mi técnica de grabado es una forma de metamorfosis. Después de hacer un dibujo, vuelvo a dibujar la imagen a lápiz con tinta. Tallo en la madera el dibujo con cinceles, destruyendo los trazos del dibujo original. La xilografía es un resultado, una resurrección de la imagen original.
Como experiencia chamánica, mi espíritu se une al espíritu de un árbol, al papel elaborado con pulpa de madera/algodón y a la tinta elaborada con hollín de carbón de madera. La xilografía contiene los tres espíritus en su interior. Es el mismo fenómeno de las tres congas, que el musico llama con sus tres espíritus a los Orishas del cielo. El tronco tallado de madera, el cuero de chivo y el espíritu del interprete.
Emigration
Emigration shapes our identities, our psychology, social and power relations, our emotions and experiences of belonging or exclusion. Through art, performance, literature, and music/sound, the stories of migrants, their perceptions, and the injustices of each country's border system are reflected.
In my work, I investigate how migration alters our personalities and in it, I try to reflect the stories of migrants, their emotions, and the adventures of inequalities. I do not limit myself to exploring only the pain of displacement, I also delve into the experiences of belonging and exclusion that arise in these contexts.
From my childhood in Arequipa and Camaná, I have indelible memories: the smell of the earth, the sound of the quena, the majesty of the mountains. Distance has given me new perspectives that have enriched my identity and my pride. I understand that borders are imaginary constructions. Over time, the pain of uprooting has transformed into an adventure: a legacy that unites my pride in my country of origin, respect for the place that welcomes me, and the richness of shared stories that continue to inspire my work.
Emigración
La emigracion modela nuestras identidades, nuestra psicología, las relaciones sociales y de poder, nuestras emociones y las experiencias de pertenencia o de exclusión. A través del arte, la performace, la literatura y la música / sonido, se reflejan las historias de los migrantes, sus percepciones y las injusticias del sistema fronterizo de cada país.
En mi obra, investigo cómo la migración altera nuestras personalidades y en ella, trato de reflejar las historias de los migrantes, sus emociones y las peripecias sobre las desigualdades. No me limito a explorar solo el dolor del desplazamiento, también profundizo en las experiencias de pertenencia y exclusión que surgen en estos contextos.
Desde mi infancia en Arequipa y Camaná, conservo recuerdos imborrables: el olor de la tierra, el sonido de la quena, la majestuosidad de las montañas. La distancia me ha brindado nuevas perspectivas que han enriquecido mi identidad y mi orgullo. Entiendo que las fronteras son construcciones imaginarias. Con el tiempo, el dolor del desarraigo se ha transformado en una aventura: un legado que une mi orgullo por mi país de origen, el respeto por el lugar que me acoge y la riqueza de las historias compartidas que continúan inspirando mi trabajo.
Free and Brave
Woodcut. 32” x 25”81 x 63.5 cm
Carved with new emigrant figures and details and printed in 2024
La Liberté éclairant le monde was a gift from France to the United States to commemorate freedom after its revolution. The title of the work is inspired by a phrase from the national anthem of the United States: O'er the land of the free, and the home of the brave? with freedom and courage. The essence of the Statue of Liberty was the symbol against oppression, freedom, justice and democracy. The woodcut was a commission for the OP-ED editorial page of the New York Times. Since there was pressure to carve the wood in less than 24 hours, I decided to take a risk and make it giant since the newspaper was going to publish it at 6 inches wide. I thought it was an opportunity to create something iconographic, symbolic and large format. After it was published, I carved on the right side of the neck a series of immigrants protected by it and in the right-hand lotus flowers of a mandala that symbolize purity. I decided not to use the seven rays of the crown that symbolize the seven oceans and continents. My interest was in fixing his gaze strongly towards us, the audience. I carved the New York City skyline as a reflection, a circle inside the right eye.
The sculpture awaiting installation in 1885. The face was modeled after Charlotte Beysser Bartholdi, the sculptor's mother. Bartholdi designed the figure to be instantly recognizable from the skyline. DailyMail.CO.UK
Postmodern replicas of several segments of the Statue of liberty are exhibited in many galleries.
Danh Vō
We The People 2010–14 (installation shot)
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel. UK
Photo: Nils Klinger
We The People 2010–14 (installation shot)
Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel. UK
Photo: Nils Klinger
Libre y con Coraje
Xilografía.32” x 25”81 x 63.5 cm
Tallado con nuevos figuras de emigrantes y detalles e impreso en 2024
La Liberté éclairant le monde. fue un regalo de Francia a los Estados Unidos para conmemorar la libertad después de su revolución. El titulo de la obra tiene inspiración en una frase del himno de los estados unidos: O’er the land of the free and the home of the brave? “free and brave” libre y con coraje. La esencia de la estatua de la libertad fue el símbolo contra la opresión, la libertad, justicia y la democracia. La xilografía fue una comisión para la página editorial OP-ED del New York Times. Como había una presión de tallar la madera en menos de 24 horas decidí aventurarme y hacerla gigante pues el periódico iba a publicarla a 6 pulgadas de ancho. Pensé que era una oportunidad para crear algo iconográfico, simbólico y de gran formato. Después de que fuese publicada talle en la parte derecha del cuello una serie de personas emigrantes protegidas por ella y en la mano derecha flores de loto de una mándala que simbolizan pureza.
Decidí no utilizar los siete rayos de la corona que simbolizan los siete océanos y continentes mi interés era en fijar su mirada fuerte hacia nosotros, el público. Talle el horizonte de la ciudad de Nueva York como un reflejo, una circunferencia adentro del ojo derecho.
Mask
Woodcut. 24 x 310” (61X 77.5cm.)
Careta, Commission from the OP-Ed page of the New York Times. 2012. New edition in 2024
Rationale for the Work
My inspiration was to visualize the “The melting pot” of New York, with the phenomenon of “Sprawling” or the overflow of the construction of buildings of a Babylonian city. My work was to synthesize an image creature that is formed by architecture, buildings, bridges, stadiums, the skyline and the Hudson River. I simplified the mass emigration of many cultures on one side and originally called it Careta because it had African and pre-Columbian icons by Chakana.
When I visited the studio of the illustrator and engraver James Grashow in the 70s he lived in Brooklyn, NY. It was impressive the teaching that he gave me selflessly, with information about Japanese paper, ink, cherry wood, and tools for engraving. And he gifted me an etching of a city monster eating up rural fields. This image was like an “imprint,” and stayed with me forever. And this is the inspiration for my version of the city monster, truly a “Melting Pot.”
James Grashow. City Monster. Wood Engraving. 1975. New York Times.
Careta
Xilografía. 24 x 310” (61X 77.5cm.)
Careta, Comisión de la página OP-Ed page del New York Times. 2012. Nueva edición en 2024
Fundamentación de la Obra
Mi inspiración fue visualizar el “The melting pot” de Nueva York, con el fenómeno de “Sprawling” o el rebalsar de la construcción de edificios de una ciudad Babilónica. Mi trabajo fue de sintetizar una imagen-criatura que este formada por arquitectura, edificios, puentes, estadios, el horizonte y el rio Hudson. Simplifique la emigración masiva de muchas culturas en una sola cara y originalmente la llame Careta por tener de Africano e iconos Pre-colombinos de Chakana.
Cuando visité el estudio del ilustrador y grabador James Grashow en los años 70 él vivía en Brooklyn, NY. Fue impresionante la enseñanza que me dio desinteresadamente, con datos sobre papel Japonés, tinta, madera de cereza, y herramientas para grabado. Y me regalo un grabado de un monstruo de la ciudad que se come los campos rurales. Esta imagen fue como un “imprint,” y se quedó conmigo para siempre. Y esta es la inspiración de mi versión del monstruo de la ciudad verdaderamente un “Melting pot.”
RESURRECTION
Woodcut. 46” x 72” (117 X 183 cm.)
“Dreams” was carved as an artist-proof in 2011. Carved with new icons and details and printed in 2024
The woodcut is an allegory in which the central character adopts a Christ-like posture* and in an animation, his spirit detaches from his body to undertake an astral journey. In the background, the “god of the quena”, a shaman, guides his journey through Ayahuasca, while his two children watch him fly. The icons and images surrounding the scene represent 500 years of transculturation and colonialism. Transculturation is a process of emigration, a passage from one reality to another (R. Campbell, 1949).
During this journey, figures such as the archangel Gabriel with an arquebus, the goblin-goddess inside a colonial harp, and symbols of Caral and Moche appear, along with the god of Ají in an animated transfiguration. Postmodern elements, such as the cup of Liechtenstein, the Japanese goddess manga, and the god-Apu of the Misti volcano, are intertwined in the visual narrative.
*The image of the man-Christ has direct reference to protest art, such as the activist action of James Luna of the Luiseño-Mexican tribe. Luna creates a performance of appearing inside a display case in the museum as if it were an indigenous artifact found and displayed.
James Luna Artifact Piece, performance realizada en 1987. San Diego Museum of Man. CA. USA
RESURRECCIÓN
Xilografía. 46” x 72” (117 X 183 cm.)
“Sueños” fue tallado como prueba de artista- test en el 2011. Tallado con nuevos iconos y detalles e impreso en 2024
La xilografía es una alegoría en la que el personaje central adopta una postura similar a la de Cristo* y en una animación, su espíritu se desprende del cuerpo para emprender un viaje astral. En el fondo, el 2dios de la quena”, un chamán, guía su travesía a través de la Ayahuasca, mientras sus dos hijos lo observan volar. Los íconos e imágenes que rodean la escena representan 500 años de transculturación y colonialismo. La transculturización es un proceso de emigración, un pasaje de una realidad a otra (R. Campbell, 1949).
Durante este viaje, aparecen figuras como el arcángel Gabriel con un arcabuz, la diosa-duende dentro de un arpa colonial y símbolos de Caral y Moche, junto con el dios del Ají en una transfiguración animada. Elementos postmodernos, como la taza de Liechtenstein, la diosa japonesa manga y el dios-Apu del volcán Misti, se entrelazan en la narrativa visual.
Durante este viaje, aparecen figuras como el arcángel Gabriel con un arcabuz, la diosa-duende dentro de un arpa colonial y símbolos de Caral y Moche, junto con el dios del Ají en una transfiguración animada. Elementos postmodernos, como la taza de Liechtenstein, la diosa japonesa manga y el dios-Apu del volcán Misti, se entrelazan en la narrativa visual.
*La imagen del hombre-cristo tiene referencia directa al arte protesta, como la acción activista de James Luna de la tribu Luiseño-Mejicano. Luna, crea un performance de aparecer dentro de una vitrina en el museo como si fuese un artefacto indígena encontrado y exhibido.
Transculturization
Woodcut. 30” x 23” each
Transculturización was carved as an artist-proof in 1999. Edited in 2024 with new icons and details and printed.
Transculturation is the story of an international emigration. The metaphor contains a juxtaposition of three symbols. The portrait, the anthropomorphic Paracas figures and the archangel Gabriel from the colonial paintings of angels with arquebuses. The self-portrait is inspired by a moment of self-absorption. Something of “abjection” where it is a strong experience before another (J. Kristeva 1980) Where the morbidity of becoming an emigrant “pariah” and appearing in another existence is a moment of abjection. The pupils of the eyes look at the sea for which the carving indicates the reflection of the water and the waves of the sea, a symbol of purity and fertility. They look and pray to Yemayah, the African goddess of water. The appropriation of Paracas comes from ceramic paintings of winged monkeys with sun-like mouths and Orca whales with violent attacks. The archangel Gabriel does not carry his arquebus with which he always appears in Cusco paintings. In this case, he brings the light of freedom and wisdom. The light of eternal knowledge.
Master of Calamarca, Archangel with Gun, Asiel Timor Dei, before 1728, oil on canvas and gilding, 160 x 110 cm (Museo Nacional de Arte, La Paz, Bolivia)
Ink drawings are traced as replicas from polychrome ceramics.
Figure 11. The Masked Being animating life forms of the earth, water, and sky: (a) fox aspect, N5; (b) plant aspect, N5; (c) piscine aspect, N3; (d) avian aspect, N4.
Figure 12. The Masked Being in the Proliferous style of N6. Killer whale aspect.
Patrick H. Carmichael. Nasca origins and Paracas progenitors. Ñawpa Pacha.
Journal of Andean Archaeology. 2016
Tansculturización
Xilografía. 30” x 23” cada uno
fue tallado como prueba de artista- test en el 1999. Tallado con nuevos iconos y detalles e impreso en 2024
Transculturización es la historia de una emigración internacional. La metáfora contiene una yuxtaposición de tres símbolos. El retrato, las figuras antropomorfas Paracas y el arcángel Gabriel de las pinturas coloniales de ángeles con arcabuces. El autorretrato es inspirado en un momento de ensimismamiento. Algo de “abjection” en donde se trata de una vivencia fuerte antes de otra (J. Kristeva 1980) En donde lo mórbido de convertirse en “paria” emigrante y aparecer en otra existencia es un momento de abjection. Las pupilas de los ojos miran al mar para lo cual el tallado indica la reflexión del agua y las olas del mar, símbolo de pureza y fertilidad. Miran y ruegan a Yemayah, diosa Africana del agua. La apropiación de Paracas proviene de pinturas de cerámicas con monos alados con bocas de sol y ballenas Orcas de violentos ataques. El arcángel Gabriel no trae su arcabuz con que siempre aparece en las pinturas cusqueñas. En este caso trae la luz de la libertad y la sabiduría. La luz del conocimiento eterno.